« Ma fille de cinq ans dessinera de la même manière »: comment commencer à comprendre l'art et ce qu'il faut savoir pour cela
Miscellanea / / November 24, 2023
Faits intéressants sur les peintres et conseils pour bien se familiariser avec les peintures.
Nous traitons toujours les œuvres des artistes ou des sculpteurs de manière subjective, car il n'y a pas de normes strictes en matière de créativité. Le critique d'art Nikita Monich a expliqué aux auditeurs du podcast Science Pulverizer comment apprendre à comprendre l'art et si l'on peut croire aux stéréotypes sur la vie et le travail des créateurs.
Nikita Monich
Critique d'art, dirige la chaîne YouTube « About Culture », donne des conférences et organise des excursions à Madrid.
Un artiste doit-il vraiment avoir faim ?
Un problème compliqué. On retrouve très souvent ce stéréotype. Mais remplaçons le mot « artiste » par le nom d'un autre métier. Est-il vrai qu’un mathématicien, un mécanicien, un ministre ou un président devrait vivre dans la pauvreté? Si chacun de nous réfléchit à sa propre entreprise, nous arriverons très probablement à la conclusion: « Je travaille certainement pour ne pas avoir faim. » Et les artistes traitent leur travail de la même manière.
Il convient également de clarifier ce que signifie « artiste professionnel ».
Quelle est la différence entre un hobby et un métier? Nous dépensons de l'argent pour nos loisirs, mais gagnons de l'argent grâce à notre profession. Ainsi, un artiste professionnel n'est pas quelqu'un qui possède un ou deux diplômes, mais qui travaille comme testeur ou livreur de pizza. Un artiste professionnel est celui qui gagne de l’argent grâce à sa créativité.
Nikita Monich
Mais il arrive que l’œuvre d’un peintre ne soit dignement appréciée qu’après sa mort. De nombreux créateurs ont vécu une vie pauvre et sont morts incompris. Et ils n’ont pas eu le temps de se rendre compte que leurs peintures étaient très demandées. C’est pourquoi les historiens de l’art estiment que si les œuvres d’un peintre sont devenues très appréciées, il peut alors être considéré comme un professionnel ayant apporté une contribution significative à l’art.
Bien sûr, un artiste n’a pas besoin d’avoir faim, mais il est parfois contraint de vivre dans la pauvreté. Il arrive que sa vision du monde, ses messages qu'il tente de faire passer à travers ses œuvres, ne trouvent pas d'écho auprès de ceux qui achètent les tableaux. Cela arrive souvent aux innovateurs. Ou encore chez ceux qui ne sont reconnus que pendant une courte période de leur vie créative. Alors ces maîtres restent vraiment affamés.
Mais heureusement nous en connaissons beaucoup artistesqui ont réussi. Ils comprenaient très bien ce dont leurs contemporains avaient besoin. Et ils pourraient également ajouter une nouvelle vision aux approches traditionnelles. Mais ils l'ont fait à petites doses, afin que la société puisse accepter leurs décisions innovantes.
Une telle reconnaissance a été obtenue par Raphaël, Rubens, et plus tard par Marc Chagall, Salvador Dali, Pablo Picasso.
Mais il existe d’autres exemples – par exemple Klimt et Schiele. Le premier eut une brillante carrière et fut l’artiste le plus titré de Vienne. Le second est son élève. Il a vécu une courte vie malheureuse et n'a été reconnu qu'à la toute fin.
Il arrive donc que la devise de l’artiste devienne l’expression « l’art pour l’art ». Et l'argent doit gagner sinon. C’est par exemple ce qu’a fait le célèbre Léonard de Vinci.
Léonard de Vinci, lorsqu'il voulait manger, faire carrière et, en principe, être un membre digne de la société, postula au service du duc de Milan. Et il dit: cher duc, je sais construire de merveilleuses fortifications, je suis généralement urbaniste.
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Pouvons-nous séparer les légendes des artistes des faits ?
Continuons à parler de Leonardo et regardons sa Joconde. Il existe de nombreuses légendes autour de ce célèbre tableau. Par exemple, on pense que l'artiste a embauché des musiciens pour que le modèle ne s'ennuie pas pendant qu'il la dessinait. Et le fameux sourire de Gioconda est apparu précisément grâce à cette musique. Et en général, l’artiste n’a peint les lèvres de la jeune fille que pendant 12 ans.
Il est ici difficile de séparer les faits des spéculations. Nous ne savons presque rien de la façon dont cela a réellement fonctionné da Vinci et ses contemporains. Oui, on peut par exemple étudier le journal de Léonard. Mais donner un sens à ses notes n’est pas une tâche facile.
Des milliers de pages contiennent des listes de courses, des réflexions sur la nature de la peinture et une idée sur la façon de fabriquer une hélice. Ici le poisson a été enveloppé, voici la main, voici la patte dessinée. Bref, nous ne savons pas grand-chose de Léonard de Vinci grâce à son propre témoignage.
Nikita Monich
Les biographies de Léonard et de ses contemporains nous sont familières grâce aux archives de l'artiste et critique d'art Vasari. Mais on ne sait pas avec quelle précision les faits sont reflétés dans ces ouvrages devenus canoniques.
Par exemple, Vasari décrit les sourcils de Mona Lisa. Mais il n’y a pas de sourcils sur la toile. De plus, ils sont absents non seulement dans la version finale. Sous la couche externe, si vous étudiez l'image aux rayons X, les sourcils ne sont pas non plus visibles. Il s'avère que Vasari soit n'a pas vu cette image lui-même et "Rabinovich lui a chanté", soit il l'a vue, mais a écrit à ce sujet de mémoire et s'est trompé.
Mais il y a aussi des faits dont nous sommes sûrs. Léonard a écrit La Gioconda pendant très longtemps et l'a traitée avec des émotions particulières. Il commença à travailler après avoir reçu la commande en 1467. Ensuite, il n'a jamais donné le tableau au client et l'a emporté avec lui pendant longtemps. Après 40 ans, Leonardo retourne au travail. Peut-être a-t-il ajouté seulement quelques traits - même avec l'aide des rayons X, nous ne pouvons pas dire exactement en quelle année chaque trait particulier a été appliqué. Mais nous savons que l’artiste a achevé le tableau plusieurs années après le début des travaux.
"Mona Lisa" s'est retrouvée dans la collection royale de peintures de France sous François Ier. Il l'a acheté après la mort de De Vinci. Mais il a été commandé par des personnes complètement différentes et n'est pas parvenu au client, car tous les délais ont été sans vergogne manqués.
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Qui les artistes dessinent-ils réellement dans leurs portraits ?
Il semblerait que la réponse soit évidente: ceux qui leur servent de modèles. Mais si nous parlons de Mona Lisa, vous pouvez entendre beaucoup de spéculations sur qui Leonardo voulait vraiment représenter. Certains le croient lui-même. Ou même le Christ.
En fait, peu importe qui a servi de modèle à la photo. Souvent, un portrait n'est qu'une image. Disons que la personne sur la toile ressemble beaucoup à celle qui a posé. Mais chaque tableau est aussi un portrait de l’artiste lui-même. Mais pas parce qu'il peint toujours son apparence.
Ce n’est pas la forme qui est importante ici, mais le contenu. C’est-à-dire le message, le sens que l’artiste met dans chacune de ses œuvres. Et ce message dépend entièrement du créateur.
Quel rôle les femmes jouaient-elles dans l’art classique ?
Elles deviennent souvent des muses pour les créateurs. Mais ils ont rarement pu recevoir eux-mêmes une éducation classique et devenir artistes.
C'est une des raisons de la limitation. Toute peinture ou sculpture est un objet sensoriel. La créativité a toujours été associée à la sexualité. Il s’agit en grande partie de sublimation, c’est-à-dire de direction de l’énergie sensorielle vers une autre direction créatrice. Et nous le savons artistesCeux qui ont créé l’art classique peignaient souvent des figures féminines nues. A cet effet, des modèles ont posé pour eux.
Cependant, au cours des siècles passés, il était impossible de penser à une fille dessinant un homme nu. Elle ne pouvait même pas être dans la même pièce que lui.
Mais cela ne veut pas dire que les femmes n’ont aucune influence sur l’art. Au contraire, sans eux, il n’aurait guère atteint un niveau élevé.
Récemment, le Musée du Prado a réalisé projet Le Prado en femme. Ses créateurs ont réalisé une vidéo dans laquelle tous les tableaux que la femme avait commandés, achetés ou intégrés à sa collection disparaissaient des murs du musée. Et en conséquence, presque tous les principaux chefs-d'œuvre ont disparu des salles du musée dans la vidéo.
Car pendant que les hommes s'énervent dans les buissons, les femmes accomplissent une tâche bien plus importante: installer leur espace de vie, élèvent des enfants et en général - sont responsables du visage du régime, de la cour royale, etc. Plus loin.
Nikita Monich
Une personne ordinaire, et non un spécialiste, peut-elle comprendre l’art contemporain ?
Toute peinture, sculpture, œuvre d’art décoratif et appliqué, la mélodie est un message. Et il est diffusé dans certaines langues. Cela signifie que pour déchiffrer ce message, vous devez connaître la langue dans laquelle il est transmis.
Lorsqu'une personne voit des personnes ou des objets sur une image, il lui semble souvent que tout est clair. Le spectateur peut penser: c’est une belle femme dessinée de manière réaliste – qu’est-ce qui n’est pas clair là-dedans? Mais il ne voit pas les allégories, ne sait pas quelle histoire est cryptée dans l’image, ne reconnaît pas les citations littéraires qui y sont associées. S'il voit des saints, il ne sait peut-être pas pourquoi ils sont célèbres, à côté de quoi leurs attributs sont dessinés ou pourquoi ces attributs étaient nécessaires. Et au final, il ne comprend pas le message que l’artiste a voulu faire passer.
Mais l’intéressé conclut: « Je comprends ça, car il y a du monde ici. Mais ici, il n'y a que des taches, ma fille de cinq ans dessinera de la même manière, je ne comprends pas.
Quand quelqu’un dit que son enfant de cinq ans peut faire cela, ce n’est toujours pas vrai. L'art n'est pas un objet. L'art est une relation qui naît ou non entre le spectateur et l'objet. Et si elle naît, la personne dit: « Oh, l’art! Et si ce n’est pas né, il dit: « Ce n’est pas de l’art. »
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Mais pour qu'une relation naisse, vous devez comprendre exactement ce qu'on vous a dit. Si la phrase sonne dans la langue d'un étranger langue - par exemple, en vietnamien ou en hongrois - il ne percevra rien. Et il ne recevra pas le message, même s’il est extrêmement important et pourrait changer sa vie.
Nous concluons: comprendre l’art signifie bien connaître la langue que parle l’artiste. Si vous ne comprenez pas cette langue, il vous sera alors impossible d’entendre l’artiste.
Comment apprendre à comprendre l'art
Cela vaut la peine de comprendre exactement ce que vous aimez et ce avec quoi vous résonnez. Pour ce faire, vous devez essayer différentes choses. C'est comme avec les produits: vous pouvez comparer plusieurs types de jus, puis décider que vous préférez toujours la bière. Mais vous devez d'abord essayer chaque boisson.
Si vous avez commencé à vous familiariser art, rappelez-vous deux règles :
- L'intérêt pour l'image commence dès le deuxième visionnage. Si vous voulez le revoir, cela signifie qu’il y a quelque chose dedans.
- N'ayez pas peur des spoilers. Avant d'aller au musée, vous pouvez vous renseigner. Et regardez les 20 à 30 chefs-d’œuvre qui y sont stockés. Ils sont faciles à trouver, par exemple, sur la plateforme Google Arts&Culture.
Au début, il suffit de regarder les images, de feuilleter les pages - dans un premier temps, cela suffit. En parallèle, ouvrez dans de nouveaux onglets les toiles qui ont retenu votre attention. Ensuite, regardez à nouveau ces œuvres, lisez-les.
Plus tard, lorsque vous irez au musée, dirigez-vous directement vers les tableaux qui vous intéressent. Autrement dit, sur des toiles déjà familières. Cela est nécessaire pour que vous ne gaspilliez pas votre ressource la plus précieuse: l'attention.
Un point très important: n’essayez pas de tout regarder. "J'ai quatre heures, il y a 400 salles du Louvre devant moi - maintenant nous allons le découvrir" - Dieu nous en préserve! Il y a plus de 100 ans, le terme « fatigue des musées » a été inventé. Cela vous épatera tout simplement; vous manquerez d’espace libre sur votre disque dur.
Nikita Monich
Par conséquent, regardez uniquement ce que vous avez prévu à l’avance. Et puis essayez de distinguer trois œuvres parmi tout ce que vous avez vu :
- Ce que tu as le plus aimé.
- Ce que vous n’avez pas le plus aimé.
- Ce que vous avez trouvé le plus étrange.
Alors prenez votre smartphone et allumez-le alarmepour que ça sonne dans cinq minutes. Il est très important de ne pas regarder l'écran tout ce temps, alors que ce soit un réveil et non une minuterie. Et parlez à l'image sélectionnée pendant cinq minutes. Assurez-vous de parler à voix haute, mais à voix basse: vous êtes toujours dans un musée. Parlez à un rythme moyen, sans répétition. Continuez jusqu'à ce que l'alarme retentisse.
Quand il sonnera, vous découvrirez énormément de nouveautés sur cette image. C’est comme si vous alliez percer une sorte de membrane translucide d’un stéréotype. En faisant cela avec trois tableaux comme points de référence, vous poserez les bases.
Nikita Monich
Eh bien, si vous répétez cette technique chaque fois que vous visitez une nouvelle exposition, vous accumulerez au fil du temps une expérience perceptuelle. Et vous pourrez mieux interpréter l’art.
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