Comment les cinéastes aident les téléspectateurs à aimer leurs films
Cinéma / / December 30, 2020
Le plus souvent, lorsqu'ils parlent de cinéma, les gens parlent de l'intrigue et du jeu d'acteur. Bien sûr, ce sont des parties importantes de tout film. Mais il se trouve que vous ne pouvez pas détourner les yeux d'une image, bien que l'action se développe très lentement, et une autre histoire devient rapidement ennuyeuse, malgré les nombreux événements. Certains auteurs parviennent à faire croire au spectateur aux virages les plus fantastiques, tandis que d'autres créent même des situations réelles comme des jouets. Et c'est juste agréable de regarder certaines bandes, tandis que d'autres sont difficiles.
Le fait est qu'en plus de l'intrigue et des acteurs, il existe de nombreuses astuces techniques intéressantes grâce auxquelles les réalisateurs aident le spectateur à ressentir l'action et à profiter de ce qui se passe à l'écran. Ces subtilités peuvent même ne pas être remarquées, mais elles affectent toujours grandement la perception de l'image.
Spectre de couleurs
La première chose à remarquer est que les couleurs dans les films ne sont souvent pas du tout les mêmes que dans la vraie vie. Cela peut être assez évident (par exemple, si l'image est en noir et blanc), ou vous ne vous en rendez pas compte immédiatement. Mais ce n'est pas une coïncidence.
Créer une atmosphère
Avec l'aide des couleurs, vous pouvez mieux transmettre l'atmosphère de ce qui se passe, créer une ambiance pour le spectateur et même montrer les sentiments des personnages eux-mêmes.
Par exemple, prenez la franchise populaire "X Men». Dans la série principale de films, l'image lumineuse et riche ressemble à des bandes dessinées. Et contrairement à eux dans le noir "Logan", où ils parlent de la vieillesse et de la fatigue du héros, des tons plus clairs sont choisis.
Dans le film "Mad Max: Fury Road", la plupart de l'action se déroule dans une zone désertique chaude. Il est logique que la photo ait été prise dans des tons jaune-orange, ce qui vous fait ressentir le soleil brûlant et la sécheresse.
Pour plus de clarté, vous pouvez prendre un cadre et modifier le jeu de couleurs. Il semblera immédiatement qu'il fait plus froid.
Pour créer une image contrastée, les blockbusters modernes et en général le cinéma de masse sont rendus plus bleus et oranges.
Et voici le célèbre Wes Anderson aime une palette rosâtre douce. Cela donne au spectateur le sentiment d'un vieux film romantique. Et tout ce qui se passe est perçu plus calmement et plus facilement.
Lorsqu'ils veulent créer une atmosphère d'avenir et de fantaisie, ils se tournent aussi souvent vers le bleu. Et ils aiment particulièrement les couleurs néon, qui sont fermement connectées dans la tête du spectateur avec le cyberpunk et la technologie.
Inutile de dire que les auteurs films d'horreur préférez les couleurs sombres. Il y a plusieurs raisons à cela. Bien sûr, c'est en partie une façon de pomper l'atmosphère. Beaucoup de gens ont déjà peur du noir et dans les films d'horreur, il y a aussi des monstres qui s'y cachent.
De plus, une image sombre permet de masquer légèrement les imperfections des graphismes ou du maquillage et d'économiser sur la production. Certes, il y a un danger à cela: si vous assombrissez trop le cadre, le spectateur peut tout simplement ne pas voir ce qui se passe à l'écran, en particulier dans un mauvais cinéma ou sur un vieux téléviseur. Par exemple, c'était le cas dans le film Slenderman de 2018.
Bien que certains réalisateurs originaux puissent jouer en contraste. Par exemple, Ari Astaire dans "Solstice»Montré l'atmosphère typique d'un film d'horreur: les héros se retrouvent dans un village isolé où des choses terribles se produisent.
Mais en même temps, l'image est très lumineuse, il n'y a presque pas de scènes sombres et les vêtements des héros sont blancs comme neige. Et cela le rend encore plus terrible, car il n'y a nulle part où se cacher de l'horreur.
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Séparation des parties du tracé
Un film peut avoir plusieurs filtres de couleur différents. Ils sont utilisés pour séparer plus clairement les scénarios. Et avec le bon talent, cette approche contribue à égayer l'image.
Un bon exemple est "Matrice». Le logo de cette bande a été fait avec des symboles de code verts, indiquant le programme dans lequel les gens vivent. C'est pourquoi tout ce qui se passe dans le monde virtuel a été filmé à travers un filtre verdâtre. Et les événements réels sont affichés en bleu.
Et ce n'est qu'à la toute fin de la troisième partie, lorsque les hommes et les machines ont conclu un accord de paix, que des couleurs bleues et vertes pures apparaissent en même temps dans le cadre.
Dans le film Christopher Nolan Les personnages «débutants» passent du monde réel à un rêve, puis à un rêve dans un rêve, et ainsi de suite. Afin de séparer plus clairement les «calques», le réalisateur a choisi sa propre palette de couleurs pour chacun d'eux.
Au premier niveau de sommeil, tout est filmé dans une palette bleue, le second est jaune, le troisième est blanc. Et ce n'est que dans le dernier rêve que toutes les nuances se réunissent à nouveau, comme dans le monde réel.
Dans Blade Runner 2049 Denis Villeneuve différentes couleurs reflétaient à la fois l'emplacement et l'état intérieur du protagoniste.
Tout commence avec le personnage de Ryan Gosling errant dans le brouillard, puis il traverse un désert orange chaud, un futurisme néon et une inondation nocturne. Et l'histoire se termine sur un fond blanc comme neige, reflétant le calme et la purification.
Refus de couleur
Il était une fois tous les films noir et blanc. Tout simplement parce qu'ils ne savaient pas tirer autrement et qu'il était possible de colorer les cadres uniquement à la main. Puis les films couleur sont arrivés et la cinématographie est devenue beaucoup plus réaliste.
Mais en même temps, la photographie en noir et blanc n'est pas complètement une chose du passé. Ils sont toujours utilisés à des fins artistiques. Par exemple, pour délimiter différents mondes ou scénarios.
Ainsi, dans Le Magicien d'Oz, 1939, la couleur apparaît lorsque Dolly entre dans le monde des fées.
Dans "Stalker" d'Andrey Tarkovsky, les couleurs sont également absentes de la vie ordinaire des héros. Et quand les personnages se retrouvent dans la mystique "Zone", le monde devient lumineux - c'est ici que les gens se révèlent vraiment.
Ou tout de même Christopher Nolan dans la bande "Remember" a montré une partie de l'action dans l'ordre direct, et la seconde - dans le contraire. Par conséquent, la moitié du film est tournée en couleur et l'autre en noir et blanc.
De plus, une image en noir et blanc vous permet de mettre en évidence certains détails plus vivement en leur ajoutant simplement de la couleur. Pour la première fois, Sergei Eisenstein l'a fait en peignant manuellement le drapeau du cuirassé Potemkine de 1925.
Par la suite, cette technique a été utilisée dans des genres complètement différents. Dans la "Liste de Schindler" Steven Spielberg l'apparition d'une fille en manteau rouge devient l'un des moments les plus émouvants.
Et même dans le film de bande dessinée Sin City, cette approche est utilisée à plusieurs reprises, en mettant l'accent sur le rouge à lèvres, les yeux brillants ou le sang.
Construction du cadre
Règle des tiers
L'un des principes fondamentaux du cinéma et la photographie. C'est quelque chose comme une règle simplifiée du «nombre d'or».
C'est simple: lors de la prise de vue, l'écran est divisé en trois parties verticalement et horizontalement. Les éléments les plus importants pour le tracé doivent se trouver sur ces lignes, ainsi qu'à leur intersection. Cela permettra au spectateur de se concentrer plus facilement sur les points souhaités.
Place dans un carré
Si vous divisez conditionnellement le cadre en deux ou en quatre parties égales, vous pouvez faire comprendre au spectateur sans mots quelle place le personnage occupe dans l'histoire.
Cette technique est plus clairement visible dans la bande "Drive" Nicolas Winding Refna. Par exemple, si le visage du personnage principal est affiché dans le coin supérieur gauche et que dans l'image suivante un autre personnage apparaît au même endroit, cela indique que les personnages seront rivaux.
De plus, le même Refn peut raconter deux histoires en parallèle: dans les parties supérieure et inférieure de l'écran ou dans les moitiés gauche et droite. Le spectateur peut ne pas remarquer ce mouvement, mais la perception des personnages sera encore plus complète. De plus, c'est tout simplement magnifique.
Symétrie
Une autre technique psychologique et esthétique à la fois. Souvent, les prises de vue où la moitié gauche reflète la moitié droite sont faites uniquement pour la beauté.
Mais parfois, ils véhiculent l'opposition des personnages. Et si le héros se regarde dans le miroir, il montrera son côté sombre ou la différence entre les rêves et la réalité. Bref, toute allégorie à laquelle on peut penser pour des réflexions.
Coin néerlandais
Pour montrer l'instabilité du principal héros, ses doutes sur quelque chose ou des problèmes de mémoire, utilisent une technique très visuelle. L'angle hollandais signifie que l'appareil photo ne filme pas droit, mais incliné. De nombreux exemples de cette approche peuvent être trouvés dans les films de Danny Boyle.
Le spectateur n'a pas l'habitude de regarder l'image sous un angle, il perçoit donc mieux l'état inconfortable du personnage.
Cependant, il est important d'observer la mesure ici. Par exemple, le film désastreux "Battlefield: Earth" a été tourné entièrement sous un angle. Mais dans une heure et demie, le spectateur aura très probablement juste mal au cou.
Prise de vue par le bas et par le haut
Une autre des techniques simples mais efficaces qui vous permet de transmettre le sentiment de soi des héros. Ainsi, vous pouvez montrer, par exemple, qui est le maître de la situation. Et puis les bandes viennent immédiatement à l'esprit Quentin Tarantinolà où les personnages regardent dans le coffre.
Et tirer d'en haut vous donne l'impression que le héros ne se sent pas en sécurité. Voici à quel point ils l'ont joué dans la célèbre scène du film "What Men Talk About", où le personnage de Kamil Larin, comme un enfant, fait des excuses au portier dans un restaurant cher:
Dialogue et mouvement
Action en arrière-plan
Une technique qui est le plus souvent utilisée dans la comédie ou l'horreur. Au premier plan, rien d'intéressant ne se passe. Et le plus important se déroule sur l'arrière-plan, qui peut être assombri ou flou.
Par exemple, le personnage principal du film "Zombie nommé Sean"va à la boutique. Tout est très banal pour lui. Et en arrière-plan, il y a une véritable apocalypse:
Selon le genre et la présentation, cela peut créer un effet ou une tension très drôle - dans les films d'horreur, les principaux hurleurs sont souvent cachés.
Conversations en mouvement
Le type de dialogue le plus courant dans les films est que les personnages sont assis et discutent. Dans ce cas, la caméra bascule traditionnellement entre les visages.
Mais si la scène devient trop longue, alors téléspectateur se lasser de la répétition constante des mêmes angles. Par conséquent, les bons réalisateurs complètent ou modifient le décor de telles scènes.
Ainsi, dans les films de Quentin Tarantino, les personnages parlent presque constamment. Mais le maître ne vous laisse pas vous ennuyer, car des dialogues peuvent avoir lieu en conduisant. En raison du changement constant du fond, l'action ne semble pas monotone.
Et même si les personnages sont dans la même pièce, la caméra ne se contente pas de basculer. Elle peut se déplacer autour d'eux, créant un effet de présence et même de participation à la conversation. Presque tous les personnages peuvent être vus sans modification inutile.
Nicholas Winding Refn parvient à utiliser le jeu déjà mentionné avec couleur et réflexion dans une conversation simple. Dans Drive, le premier dialogue des protagonistes semble très simple.
Mais en même temps le personnage Ryan Gosling est toujours sur fond bleu (cette palette de couleurs l'accompagne tout au long du film). Et l'héroïne Carey Mulligan se tient aux murs orange. Et cela montre que quelque chose les sépare, même s'ils sont proches.
La règle des 180 degrés
Il y a un autre point important pendant le tournage. Si vous déplacez la caméra de plus de 180 degrés lors du changement d'angle, le spectateur sera confus. Par exemple, lorsque le héros court, il apparaîtra qu'il s'est retourné et se déplace dans la direction opposée.
Et cela est tout aussi important même lors des dialogues. Afin de ne pas avoir l'impression que tout le monde dans le cadre a bougé brusquement, l'opérateur et le réalisateur choisissent une certaine ligne au-delà de laquelle la caméra ne doit pas aller.
Il est curieux qu'une violation délibérée de cette règle puisse être utilisée simplement pour confondre le spectateur, pour montrer la confusion du héros. Et avec l'imagination nécessaire, les auteurs créent des scènes plus inhabituelles. Par exemple, une conversation Gollum Avec moi-même. Le personnage est simplement montré de différents côtés, mais cela crée l'effet qu'il y a deux orateurs et qu'ils sont en dialogue.
Fonctionnalités d'installation
Le montage vous permet de rendre l'action du film plus dynamique, de «sauter» les moments ennuyeux de la vie et de regarder ce qui se passe de différents points de vue. Sa forme la plus simple est le récit. Autrement dit, les événements de l'image se produisent les uns après les autres. Cela s'explique le plus clairement dans L'Homme du boulevard des Capucines.
Mais vous pouvez montrer les événements du film d'une manière différente, et pour cela, ils utilisent diverses techniques.
Installation parallèle
Contrairement à la narration séquentielle, les auteurs veulent parfois que le public voie ce qui se passe en même temps à différents endroits. Et alors directeurs se référer au câblage parallèle.
Cela rend l'intrigue plus mouvementée. Mais la prudence est de mise. Après tout, si vous montrez tour à tour les scènes qui se déroulent simultanément, vous pouvez avoir l'impression que chacune d'elles dure plus longtemps.
Un exemple frappant de montage parallèle infructueux est "Furious-6". Les héros tentent de s'échapper dans un avion qui roule le long de la piste, des voitures les poursuivent et une bagarre a lieu à l'intérieur du paquebot.
Les auteurs démontrent tellement d'événements à la fois que sur l'écran, l'avion semble accélérer pendant au moins 15 minutes. Inutile de dire que cela tue tout le réalisme de la situation?
Christopher Nolan, en revanche, est largement considéré comme un maître du montage parallèle. Le réalisateur l'utilise dans nombre de ses œuvres, mais le meilleur exemple est Inception. Des événements à différents niveaux de sommeil se produisent simultanément et à des rythmes différents (dans un sommeil plus profond, le temps passe plus lentement).
Ici, la séparation des couleurs déjà mentionnée est ajoutée à l'action et le spectateur ne se confond pas dans ce qui se passe, mais réalise toute la globalité des événements.
En passant, il est intéressant de noter que dans le film "Dunkerque" Nolan est encore plus spirituel avec cette technique. Il montre en parallèle les événements qui se déroulent sur terre, dans l'eau et dans les airs. En fait, la chronologie est complètement différente, et tout ne converge que dans la finale.
Flashbacks et Flash Forwards
Parfois, les auteurs intègrent leurs souvenirs du passé - des flashbacks - dans l'histoire linéaire des personnages. Ceux-ci peuvent être de très courts flashs de quelques secondes ou des scénarios entiers.
Un grand amateur de tels moments - Jean-Marc Vallée. Ainsi, il ajoute de la tension aux scènes apparemment calmes. Ou il indique clairement que le personnage trompe quelqu'un: il dit une chose, mais quelque chose de complètement différent apparaît dans ses souvenirs.
Il n'est pas difficile de deviner que les flashforwards sont les mêmes histoires, mais du futur. Ils sont moins souvent utilisés, généralement dans la science-fiction ou les histoires mystiques. Sur une telle technique, ils ont même construit toute une série, où, lors d'une certaine éclipse, chacun voyait un moment de son l'avenir.
Et plus loin dans l'intrigue, tout le monde essaie de découvrir les raisons de ce qui s'est passé et de comprendre le sens de leurs visions. La série a été nommée ainsi: Flashforward (en traduction russe - "Souviens-toi de ce qui va se passer"). Certes, il n'a duré qu'une saison.
Coupe sautée
Cette technique s'applique déjà au montage linéaire. Cela signifie une transition nette entre les plans. Ils l'utilisent à des fins complètement différentes.
Dans Little Shop of Horrors de Frank Oz, un tel montage aide à montrer le passage long et ennuyeux du temps.
Mais Lars von Trier, qui utilise aussi souvent le jump-kat dans ses œuvres, transmet ainsi le stress émotionnel et l'instabilité psychologique des personnages. Une prise de vue comme celle-ci rend l'image plus "nerveuse". Dans la bande "Idiots", ceci est très approprié:
Édition de forme et de son
Pour que les différents événements montrés dans le film soient perçus comme une continuation les uns des autres, les auteurs utilisent souvent des coïncidences visuelles. Autrement dit, les contours d'un objet dans une image sont répétés dans la suivante. Et parfois, cela peut sembler très spirituel.
De la même manière, vous pouvez «accrocher» le spectateur avec du son. Le cri continue avec le sifflet du vapeur, et le grondement industriel est remplacé la musique le même rythme. Ou le sifflement d'une pipe endommagée se transforme en un crépitement de viande rôtie.
De plus, le son peut être légèrement en avant ou en arrière de ce qui est affiché à l'écran. Ceci est fait pour rendre les scènes plus connectées. Autrement dit, le spectateur entend toujours la parole et le bruissement de l'image précédente, mais l'action a déjà changé. Ou vice versa.
Manque d'installation
C'est un geste audacieux: les réalisateurs tournent de longues scènes sans aucun montage, ou les cachent de différentes manières.
Cela rend ce qui se passe à l'écran plus réaliste, donne au spectateur une idée du rythme de l'histoire elle-même. Mais, bien sûr, cette approche nécessite beaucoup plus de répétitions et d'investissements. Après tout, pendant le traitement, vous pouvez supprimer les petites choses qui n'ont pas abouti.
Ainsi, Joe Wright dans le film "Atonement" a montré une scène de cinq minutes avec l'évacuation des troupes de Dunkerque pendant Deuxième Guerre mondiale. Dans la foule, 1 300 personnes étaient impliquées, avec du matériel en mouvement dans le cadre, et des explosions se produisent en arrière-plan. C'est cette approche qui traduit toute la tristesse et le chaos de ce qui se passe.
Les technologies modernes permettent de gérer l'installation avec plus de précision. Et cela a aidé Alejandro Gonzalez Iñárrit à tirer sur Birdman. Dans celui-ci, vous ne remarquez même pas immédiatement que toute l'action est affichée dans un cadre continu.
En fait, le montage est là, mais caché. Les colles sont faites lorsque la caméra traverse un élément sombre.
Et «l'arche russe» d'Alexandre Sokurov semble encore plus forte. L'action se déroule à l'Ermitage, et le réalisateur a eu un jour pour le tournage. Par conséquent, il a décidé de prendre la photo sans coller.
Il a fallu sept mois de répétitions avec 800 figurants. En conséquence, à partir de la troisième prise, ils ont tourné un film entier d'une durée de 1 heure et 27 minutes.
En fait, il y a beaucoup plus de subtilités de ce genre. Mais beaucoup d'entre eux nécessitent déjà une connaissance approfondie de la mise en scène et de la cinématographie. Ce ne sont que des exemples simples que l'on peut voir dans de nombreux films. Et quand vous regarderez la photo suivante, vous serez certainement frappé par le "coin hollandais" ou un long cadre sans retouche. Mais ça ne brisera pas la magie cinématographieau contraire, cela rendra la visualisation encore plus intéressante.
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