Une brève histoire du cinéma du milieu du XXe siècle à nos jours: un extrait du livre d'Anton Dolin

L'apogée du cinéma d'auteur

Depuis le milieu des années 1950, des cinéastes et des cinéastes ont émergé dans le monde entier, chacun avec son propre style et style. Certains se respectent, d'autres au contraire se méprisent et la plupart construisent leur propre univers artistique, habité par des associés et des fans.

Les années 1950-1970 ont vu le pic de popularité du cinéma d'auteur: les gens le regardent, l'interdisent, le vantent, se disputent farouchement à ce sujet, écrivent des articles et des livres entiers. Pour la première fois, les théoriciens parlent sérieusement du cinéma comme d'un art qui n'est en rien inférieur à ses frères aînés - théâtre, littérature, peinture ou musique.

En Union soviétique, malgré la censure, un auteur intransigeant film et des artistes uniques: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.

Dix films à essayer:

• Histoire de Tokyo, 1953, Yasujiro Ozu, Japon;
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• «Seven Samurai», 1954, Akira Kurosawa, Japon;
• The Word, 1955, Karl Theodor Dreyer, Danemark;
• Le septième sceau, 1957, Ingmar Bergman, Suède;
• "Aventure", 1960, Michelangelo Antonioni, Italie;
• La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italie;
• A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Royaume-Uni / États-Unis;
• Beauté du jour, 1967, Luis Buñuel, France;
• La peur mange l'âme, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Allemagne;
• Miroir, 1974, Andrei Tarkovsky, URSS.

New Hollywood

Cette tendance du cinéma d'auteur américain a été influencée en partie par le cinéma européen et asiatique, ainsi que par le mouvement des festivals. Sa naissance est associée à l'abolition du code de censure Hayes, qui prescrivait des règles strictes pour ce qui est autorisé et ce qui ne peut pas être montré au cinéma, et avec la crise du système américain de «studio», noyé dans la répétition de soi et fatigué spectateurs.

Les jeunes cinéastes-cinéphiles se sentaient comme faisant partie de la communauté culturelle mondiale. Ils ont abandonné toutes les restrictions et ont exploré les domaines tabous de la vie américaine. Dans le même temps, leurs films ont été populaires et ont reçu des salles pleines, ont été nominés pour des prix de cinéma et les ont gagnés.

Les problèmes sociaux et l'étude du traumatisme de l'Américain ordinaire dans les films New Hollywood ont remplacé lois cinématographiques conventionnelles du cinéma de genre avec ses obligations et souvent en service des fins heureuses.

Cinq films à essayer:

• The Graduate, 1967, Mike Nichols, États-Unis;
• Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, États-Unis;
• The Godfather, 1972, Francis Ford Coppola, États-Unis;
• Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, États-Unis;
• "Scarface", 1983, Brian De Palma, États-Unis.

Film à grand succès

Au milieu des années 1970, une révolution commerciale a eu lieu dans le cinéma américain puis mondial. Les jeunes immigrants de New Hollywood George Lucas et Steven Spielberg ils tournent des films de genre incroyablement populaires pour un jeune public qui battent tous les records au box-office. À partir de ce moment, l'Amérique passe progressivement de la production de masse de cinéma sérieux à public adulte pour les films de divertissement pour adolescents - de véritables machines commerciales pour gagner de l'argent argent. Ils sont appelés "blockbusters" - littéralement "destroyers de quartier".

Les blockbusters sont toujours l'épine dorsale de la puissance des studios hollywoodiens et de la vitalité de l'industrie cinématographique américaine.

Cinq films à essayer:

• Jaws, 1975, Steven Spielberg, États-Unis.
• Star Wars, 1977, George Lucas, ETATS-UNIS.
• Alien, 1979, Ridley Scott, États-Unis.
• The Terminator, 1984, James Cameron, États-Unis.
• Die Hard, 1988, John McTiernan, États-Unis.

Postmodernisme

Ce mot effraie beaucoup. D'une part, personne n'est en mesure de décrire brièvement et clairement ce que cela signifie. D'un autre côté, tant d'études et de livres ont été écrits à son sujet qu'il y en a trop.

Au cinéma, les manifestations claires du postmodernisme ne tiennent pas compte du système des hiérarchies (tant le droit d'auteur que cinéma), ironie omniprésente, citations omniprésentes des classiques du cinéma, manque de moralisme et instructif. Outre un mélange de genres et de styles, la non-distinction entre l'art "high" et la culture de masse, l'inclusion du spectateur dans vue comme une sorte de jeu culturel dans lequel on lui demande de deviner ce qui faites attention à l'auteur.

Depuis le milieu des années 1980, le postmodernisme a envahi la cinématographie dans le monde entier.

Dix exemples à essayer:

• Blue Velvet, 1986, David Lynch, États-Unis;
• "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, URSS;
• Femmes au bord de la crise nerveuse, 1988, Pedro Almodovar, Espagne;
• Nikita, 1990, Luc Besson, France;
• Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japon;
• «Roman policier», 1994, Quentin Tarantino, États-Unis;
• Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, États-Unis;
• Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Danemark;
• Funny Games, 1997, Michael Haneke, Autriche;
• «About Freaks and People», 1998, Alexey Balabanov, Russie.

Festivals

Les premiers festivals de cinéma ont commencé à se tenir avant même la Seconde Guerre mondiale. Le cinéma le plus influent est Venise, fondée en 1932 à l'initiative personnelle du dictateur Benito Mussolini. Le Festival de Cannes a d'abord été conçu pour se tenir à la fin de la même décennie comme une alternative et un contrepoids au Festival de Venise, où les idées fascistes devenaient de plus en plus influentes. Les plans n'étaient pas destinés à se réaliser: la guerre a commencé. En conséquence, le premier Festival de Cannes a eu lieu en 1946.

Les films les plus importants d'Europe sont traditionnellement considérés comme les festivals de Berlin (février), Cannes (mai) et Venise (Août-septembre), les plus prestigieux sont leurs prix: "Golden Bear", "Golden Palm" et "Golden Lion" respectivement. En outre, des festivals célèbres ont lieu depuis longtemps à Locarno et Rotterdam, Karlovy Vary et San Sebastian, Toronto et Busan.

Il y a plus de festivals internationaux de films dans le monde que de jours par an.

Vingt gagnants du festival à essayer:

• Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japon (Venise);
• «Payez pour la peur», 1954, Henri-Georges Clouzot, France (Cannes);
• "12 Angry Men", 1957, Sidney Lumet, Etats-Unis (Berlin);
• Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Espagne (Cannes);
• L'enfance d'Ivan, 1962, Andrei Tarkovsky, URSS (Venise);
• Les parapluies de Cherbourg, 1964, Jacques Demy, France (Cannes);
• Hôpital militaire de campagne, 1970, Robert Altman, États-Unis (Cannes);
• The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italie (Berlin);
• "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, URSS (Berlin);
• All That Jazz, 1980, Bob Fosse, États-Unis (Cannes);
• «Nom: Carmen», 1983, Jean-Luc Godard, France (Venise);
• "Paris, Texas", 1984, Wim Wenders, Allemagne (Cannes);
• Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Chine (Berlin);
• Barton Fink, 1991, Ethan et Joel Coen, États-Unis (Cannes);
• The Piano, 1993, Jane Campion, Nouvelle-Zélande (Cannes);
• Long Live Love, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Venise);
• Spirited Away, 2002, Hayao Miyazaki, Japon (Berlin);
• Still Life, 2006, Jia Zhangke, Chine (Venise);
• «4 mois, 3 semaines et 2 jours», 2007, Cristian Mungiu, Roumanie (Cannes);
• "Oncle Boonmi qui se souvient de ses vies passées", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thaïlande (Cannes).

"Oscar"

L'humanité est sûre que la plus haute distinction dans le domaine du cinéma est l'Oscar, et il est impossible de le convaincre. Mais l'Oscar est une récompense industrielle purement américaine, aux coordonnées limitées dont il est souvent toute la cinématographie imperceptible: après tout, seuls les films sortis au cours de l'année sont récompensés ETATS-UNIS.

Peut-être attachent-ils une telle importance au prix parce que les Oscars sont un spectacle spectaculaire. Ou parce que le plus célèbre
les stars du monde sont Hollywood. Mais surtout, bien sûr, parce que le cinéma américain est le plus populaire au monde.

La raison est simple. Les Français font des films pour les Français, les Danois pour les Danois, les Indiens pour les Indiens, les Chinois pour les Chinois et les Russes pour les Russes. Il existe des exceptions à cette règle, mais elles sont rares et insignifiantes. Et seul Hollywood fait des films non pas pour les Américains, mais pour le monde entier.

Vingt meilleurs films aux Oscars à essayer:

• It Happened One Night, 1935, Frank Capra, États-Unis;
• Autant en emporte le vent, 1940, Victor Fleming, États-Unis;
• Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, États-Unis;
• All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, États-Unis;
• Ben-Hur, 1960, William Wyler, États-Unis;
• The Apartment, 1961, Billy Wilder, États-Unis;
• West Side Story, 1962, Robert Wise et Jerome Robbins, États-Unis;
• Lawrence d'Arabie, 1963, David Lin, Royaume-Uni;
• Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, États-Unis;
• «The Godfather - 2», 1975, Francis Ford Coppola, États-Unis;
• One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1976, Milos Forman, États-Unis;
• Annie Hall, 1978, Woody Allen, États-Unis;
• Peloton, 1987, Oliver Stone, États-Unis;
• Rain Man, 1989, Barry Levinson, États-Unis;
• «Le silence des agneaux», 1992, Jonathan Demme, États-Unis;
• Liste de Schindler, 1994, Steven Spielberg, États-Unis;
• Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, États-Unis;
• Titanic, 1998, James Cameron, États-Unis;
• No Country for Old Men, 2008, Ethan & Joel Coen, États-Unis;
• Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, États-Unis.

Le célèbre journaliste et critique de cinéma russe Anton Dolin a écrit un livre pour enfants et adultes, dans lequel il a analysé des questions importantes sur le cinéma. Pourquoi regardons-nous des films? Comment comprendre le langage cinématographique? Et si vous vous ennuyez? Comment le cinéma change-t-il et que deviendra-t-il dans un avenir lointain? Un très joli bonus - les illustrations de la publication ont été dessinées par Konstantin Bronzit, artiste, animateur et nominé aux Oscars.

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